Azucena espía a adolescentes de un orfanato que conviven como hermanos. Ella tiene 30 años pero se ha estancado en una edad pasada por un suceso que marcó su vida. Aunque sus universos sociales los distancian, Azucena busca algo en el grupo y se enfoca particularmente en Julio de 17 años. La herida, la atracción, el síndrome de Edipo, la risa y la ternura, marcan el encuentro de estos dos personajes lastimados.

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Ana Cristina Barragán es guionista y directora de cine ecuatoriana. Su primer largometraje, “Alba” (2016), se estrenó en el Festival de Rotterdam, donde ganó el Lions Award, y en Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián, donde recibió una Mención Especial del Jurado. Su segundo largo, “La piel pulpo” (2022), se estrenó en el Festival de San Sebastián, Vancouver o Guadalajara, entre otros. “Hiedra” (2025) se estrenó en la competición Orizzonti de Venecia, donde ganó el premio a Mejor Guion, y en Horizontes Latinos de San Sebastián, donde ganó una mención especial.

En una casa entre las montañas frente a un lago espejado viven Emma y su nieta adolescente Alicia. Emma le inculca su pasión por la danza y la cría como una madre, pero Alicia es presa de su crianza controladora. La llegada inesperada de Bárbara, madre de Alicia e hija de Emma, acompañada de su cuidador, altera la rutina de su pequeño mundo. Durante la convivencia emergen tensiones, deseos y secretos; y poco a poco, como en un juego de espejos, los roles de las tres generaciones de mujeres se desdibujan, se intercambian y se resignifican.

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Marlene Grinberg es directora y guionista argentina. Graduada en Diseño de Imagen y Sonido de la UBA. Trabaja en la industria del cine desde 2012 en las áreas de dirección y guión (trabajó con directores como Pablo Fendrik, Jeanine Meerapfel, Sebastián Borensztein, Martin Piroyansky, entre otros). Realizó los cortometrajes “Mi reina” (Festival de Montevideo, Ventana Sur), “Hoy empieza otra vez” (Bafici, La mujer y el cine) y “Todas mis Lolas” (Marché du film, Primeiro Plano Brasil). Y co-dirigió el documental “Me gusta cuando hablas” (Fidba). “Tres tiempos” es su ópera prima.

En las profundidades de la llanura amazónica peruana, Meshia, una adolescente indígena matsigenka, descubre a Iván, un niño que desapareció hace dos años y fue dado por muerto. Decidida a salvarlo, se embarca en un viaje río arriba hacia las montañas, dirigiéndose a la ciudad de Quillabamba. Iván necesita urgentemente una cirugía ocular para detener una infección que amenaza su vista.

Mientras un retraído Iván lucha con el trauma de su misterioso pasado y unos sueños inquietantes, Meshia queda hipnotizada por el atractivo de la ciudad. Impulsada por la ambición y sus ilusiones, participa en un concurso de belleza local. A pesar del silencio de Iván, crece un vínculo extraño entre ellos. Pero cuando aparece un extraño con intenciones siniestras, sus mundos interiores—y su frágil conexión—se ponen en riesgo.

Filmada en una mezcla de formatos de 16mm, Super 8 y digital, Punku—que significa “portal” en quechua—es una película de ficción híbrida que desdibuja los límites entre lo visto y lo no visto, ofreciendo un portal a realidades y dimensiones superpuestas.

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Juan Daniel Fernández Molero es un director, productor y editor peruano. A los 22 años estrenó su documental “Reminiscencias” (2010) en el 39º Festival Internacional de Cine de Rotterdam, siendo exhibido ese mismo año en el 21º FIDMarseille y el 2011 en el Museo de Arte Moderno – MoMA de Nueva York, dentro de su prestigiosa serie de cine experimental Modern Mondays. Su primer largometraje de ficción fue “Videofilia (y otros síndromes virales)” (2015), con el que ganó el Tiger Award a mejor película en el festival de Rotterdam y con el cual fue candidata peruana a los 89° premios Oscar. “Punku” (2025), su tercera película, se estrenó mundialmente en la sección Forum del 75° Berlinale y ganó el Grand Prix a mejor película en el 25º Festival de Cine New Horizons en Breslavia, además del premio BIEFF a mejor largometraje en el 15º Festival Internacional de Cine Experimental de Bucarest.

Vilma, una joven enfermera, sueña con un lugar mejor para criar a su futuro bebé, junto con su esposo discapacitado Iván. Intenta cambiar su realidad usando sus habilidades de enfermería y compitiendo como tiradora, pero nada parece funcionar en su sociedad estancada. Hasta que un tornado la arrastra y despierta en un lugar donde parece que su sueño se hará realidad. Pero las apariencias engañan y tendrá que encontrar la determinación para regresar a su vida y a su familia.

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Marcos Antonio Díaz Sosa. Dramaturgo, guionista y cineasta cubano. Graduado del Instituto Superior de Arte (Cuba) en 2013, y de la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio, en 2016. Como autor y director teatral colaboró de 2013 a 2018 con el teatro estatal de Jena, Alemania, donde se estrenaron sus piezas “El mal gusto” (2013); “Los sementales” (2015); y “Titanic” (2018). Como cineasta, ha escrito y dirigido los cortometrajes “Fenómenos naturales” estrenado en el Festival de Guadalajara de 2016 y premio a mejor cortometraje en el Festival Cine Latinoamericano de La Plata en 2018; “Rocaman” (2017) y; “El niño de goma” (2021) estrenado en Bogoshorts en 2021. Como documentalista ha realizado documentales como “Fractal” (2006) y “Lo que me sé de memoria” (2015).

Un viaje sensorial electrizante a las vidas de bailarines y artistas fervorosos, con un apetito insaciable de fama, todos atraídos como polillas hacia su llama. En un momento en que las tácticas maliciosas de la policía chocan de frente con las visiones poco ortodoxas de Demetal y la postura nihilista de Natasha y Maco, surge una lucha en torno a la expresión. En una contracultura diseñada para escandalizar y ofender al orden establecido, “La 42” es una ventana irreverente a un lugar y un tiempo del paisaje urbano dominicano que te hace sentir agradecido de estar vivo—todo en una calle 42 de 600 metros.

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José María Cabral (Santo Domingo, 24 de julio de 1988) es un destacado director y guionista de cine de República Dominicana. Con una pasión por la narrativa y una aguda sensibilidad hacia los temas sociales, Cabral se ha convertido en una figura clave de la industria cinematográfica del país. Es reconocido por su diversa filmografía, que abarca múltiples géneros y temáticas.

Un documental poético sobre la vida y obra de la escritora. Es una obra cinematográfica que profundiza en el universo íntimo y creativo de la escritora, guionista y presentadora Fernanda Young.

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Susanna Lira es cineasta, con posgrados en Filosofía, Derecho Internacional y Derechos Humanos, especializada en biopolítica criminal. Es mestre en Psicoanálisis. Ha dirigido 18 largometrajes y decenas de cortos y series, acumulando más de 120 premios en festivales de Brasil y del exterior. A lo largo de sus 20 años de carrera, trabajó para importantes medios de comunicación. Tiene una larga y reconocida trayectoria como directora, habiendo sido incluso premiada en varios países: en el Festival de Cine Independente de Mar del Plata 2016 en Argentina, con el espectáculo “Susanna Lira – Hasta el limite”; en el Festival Tenemos que ver en Uruguay en 2018 y en el Festival FEMCINE, en Chile en 2019. En Brasil, fue homenajeada en 2021 con la Mostra SUSANNA LIRA, organizada por el Festival Infinitto.

Una foto de dos niños indígenas traídos a la fuerza a Europa abre una investigación del pasado con meditaciones sobre la propia familia del cineasta, utilizando material analógico de textura áspera. Un monumento a las víctimas indígenas del comercio del caucho en Perú.

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Tatiana Fuentes Sadowski. Cineasta peruana cuyo trabajo une el cine experimental y documental, explorando temas de la memoria, las historias coloniales y la sanación colectiva. Estudió Artes Escénicas en Perú y Cine y Nuevos Medios en Le Fresnoy—Studio National des Arts Contemporains en Francia. Sus películas anteriores se han presentado en festivales prestigiosos como Doclisboa, Oberhausen, Art of the Real, entre otros. The Memory of Butterflies es su ópera prima y su última exploración sobre la investigación de archivos y la narración indígena, reflejando su compromiso por abordar las heridas históricas a través de una mirada poética cinematográfica.

una empleada de un colegio privado es ascendida y + alla de eso tiene la fuerza de atack a su marido muerto x no ser hombre cuando viajaba en colectivo junto a ella.

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Lucía Seles es estudiante de guitarra clásica y grafomana 36 horas x semana como mínimo. también estudió bandoneón y grabó 02 discos con 94 valses y otras tracks así en su habitación aparte de 16 discos con tracks de si misma. en 2021 como directora de teatro estreno 04 obras suyas y en cine terminó + de 30 videos x las q siente orgullo total + = ella no siente orgullo x ser directora x culpa de otras directoras q conoció. recientemente terminó sus nuevos videos school privada alfonsina storni y fire supply.

Pedro y Lucio son secuestrados y obligados a pelear a muerte. Pedro derrota a Lucio y escapa, pero tendrá que decidir entre revelar la verdad a la fracturada familia de su amigo o sufrir el precio de guardar el secreto.

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Miguel Salgado (Ciudad de México, 13/03/1977). Realizador, editor cinematográfico y docente. Es Licenciado en Comunicación Social por la UAM-Xochimilco y en Dirección Cinematográfica por el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), donde obtiene el grado suma cum laude. Ha dirigido los cortometrajes de ficción: Muñecas (2010), La espera (2010), Tiempo de partir (2008) y Al final del surco (2006), exhibidos en distintos festivales nacionales e internacionales. En 2018 dirigió 4 episodios de una serie de cortometrajes documentales sobre género y desigualdad, producidas por OXFAM-México. Ha editado cortometrajes, largometrajes y series de T.V, tanto de ficción como de documental. Asimismo, ha sido becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) para la escritura de los guiones para largometraje Al sur del Sol, Los días que fueron (en Buenos Aires, Argentina) y Vergüenza. Como docente ha impartido clases de Realización y Montaje en distintas instituciones, entre ellas el CCC y Centro de Diseño, Cine y Televisión. Vergüenza es su ópera prima como realizador.

Otro Sol es una película que se propone inventar, al tiempo que investiga, la leyenda de Alberto, un ladrón internacional chileno, hecho prisionero en Europa y asesinado en Chile a los 29 años. Para ello, la película atraviesa dos territorios, unidos por una historia colonial: el desierto de Atacama en Chile y el sur de España.

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Francisco Rodríguez Teare es un artista y cineasta chileno. Ha dirigido Appels téléphoniques (2015), Una luna de hierro (2017), Why are they equipped with eyes ? (2018), Góis (2020) y Otro Sol (2023) entre otros. Su trabajo ha sido exhibido en festivales de cine, museos y bienales como el Stedelijk Museum, Bienal de Taipei, Film Society of Lincoln Center, Festival de Cine de Shangai, Viennale, Centre Pompidou. Ha recibido premios en el Festival de Cine de Valdivia, el Festival Punto de Vista y la Fondation François Schneider, entre otros.